ARCHIVOS DE UN SEDENTARIO PROFESIONAL

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Archivar para el mes “marzo, 2012”

CRÓNICA DE UN GUAYACO VIENDO PESCADOR

Desde hace unos años he procurado no perderme el estreno de alguna película nacional. El año pasado estuvo plagado de estrenos como es el caso de A Tus Espaldas, En El Nombre de la Hija y Con Mi Corazon en el Yambo, todas muy buenas y de calidad.

Este año Sebastián Cordero nos presenta Pescador, un producto diferente a sus otras entregas cinematográficas , pero que sigue siendo un paso adelante en la evolución de uno de nuestros mejores exponentes del cine nacional.

Hoy 30 de marzo, asistí a San Marino a la función de las 19h15 fue notable la gente yendo hacia las taquillas y esperar en una fila para entrar a ver tan esperado filme. ¡Qué buena señal! me dije yo, cada vez más gente procurando ver nuestras producciones. Ya al entrar a la sala pues se iba llenando de a poco y ya para la hora pactada estaba prácticamente lleno.

Comienza la peli a las 19h30 en realidad sin contar la publicidad y los trailers. La gente muy atenta desde el principio y bastaron apenas un par de escenas para que el público se enganche con la historia.

Pescador esta basada en una historia real contada en el libro “Confesiones de un Pescador de Coca”, relata la historia de Carlos Adrián Solórzano (conocido como Blanquito), un pescador del pueblo de El Matal que con un grupo de compañeros en plena faena se encuentran varios kilos de cocaína en la orilla del mar. Pese a las advertencias de la policía local de devolver la droga, Blanquito, junto a Lorna, una colombiana en apuros por regresar a su país, deciden emprender viaje a Guayaquil para vender a buen precio dichos paquetes.

La diferencia marcada de este filme en relación con otros de Sebastián Cordero es el humor chispeante que en la mayoría de las secuencias se hace notar y es crucial la selección de Andrés Crespo (Blanquito) por parte del director. Pese a no tener experiencia en series de televisión o en películas, el trabajo de Andrés es fenomenal, personifica de manera acertada las ganas, el buen humor, la picardía y hasta la ingenuidad si se quiere del personaje principal. El trabajo de la actriz colombiana María Cecilia Sanchez también muy notable al igual al del resto del elenco. Punto aparte la fotografía de Pescador, demasiado buena, nuestros profesionales en ese sentido están explotando muy bien nuestros paisajes y da gusto ver el despliegue de talento por parte de la gente encargada de la cinematografía en Ecuador, aparte de nuestro referente fuera del país Enrique Chediak.

La gente no paraba de reír en la sala con algunas escenas y como no hacerlo, ahí esta plasmada parte de nuestra realidad y nuestra forma de ser, definitivamente al menos si no somos, tenemos a algún “panita” que sea como Blanquito. El final de Pescador tiene la marca de Sebastian Cordero, deja a la libre interpretación lo que puede pasar después y la verdad que ese tipo de remates son de los que a mi mas me gustan. Al final de la peli poca gente aplaudió, la cultura del aplauso no esta tan marcada en algunos espectadores en el país mas no quiere decir que no hayan salido con una sonrisa en los labios de la sala de cine, lo que todos decían al menos de lo que pude captar es: ¡Qué bien trabajó el protagonista! La gente conectó con Blanquito y con la película.

Pescador es otro capitulo del cine nacional que termina con un final feliz, felicito a la producción, actores y a Sebastián Cordero por otro buen producto que desde antes de su estreno ya tenía algunos lauros en su haber.

No puedo esperar a ver la siguiente producción de Cordero la cual, según leo por http://www.imdb.com será una pelicula de ciencia ficción llamada Europa la cual cuenta con la participación de Michael Nyqvist (Trilogía Millenium) y Sharlto Copley (District 9).

Tú que lees esto y que seguro ya cobraste tu quincena, es el momento de apoyar el buen cine nacional, ve con tu familia o amigos a ver esta “pequeña obra maestra” Made In Ecuador.

5/5 (de corazon)

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PET SOUNDS: LAS VIBRACIONES MÁS IMPORTANTES DEL SIGLO XX

Cuenta la leyenda que Brian Wilson, líder y compositor  de la banda surf californiana The Beach Boys, estaba fumando marihuana junto a unos amigos mientras lo hacían escuchaban el nuevo trabajo de Los Beatles en aquel entonces, Rubber Soul. Wilson quedó maravillado por la producción y la composición de cada tema y aparte de considerarlo uno de sus favoritos, lo tomó como referente e inspiración para componer los nuevos temas del nuevo álbum de The Beach Boys.

Brian Wilson, que ya había decidido separarse de la banda para los shows en vivo y dedicarse exclusivamente a componer los temas del grupo, buscó los servicios de Tony Asher para que le ayudara a escribir las letras del nuevo álbum. Lejos estaba de imaginar Wilson la repercusión que causaría el Pet Sounds luego de su lanzamiento al mercado, pero ante todo quisiera pasar canción por canción y repasar de a poco la experiencia sónica que tuve con el Pet Sounds.

La verdad quisiera presentar una a una las canciones porque considero que todas y cada una de ellas son una joya, una pequeña sinfonía tras otra, pero escogeré las que creo son las mejores de las trece.

El disco comienza con Wouldn’t It Be Nice uno de sus clásicos y favoritos del público, un tema que proyecta una vibración tal que no creo que exista ser humano sobre esta tierra que pueda odiarlo.

Otro tema de destaque es You Still Believe in Me, que Wilson trabajo en el estudio con el nombre de In My Childhood, luego cambió la letra del tema, pero la instrumentación quedó tal cual por eso suena bien nostálgica, escúchenla

That’s Not Me, tema que refleja las dudas y los miedos de Wilson, otra tremenda composición, ya por este tema tenía clarísimo de que estaba escuchando una obra maestra.

Don’t Talk (Put Your Head On My Shoulder) es el tema más lento de todo el disco, muy romántico, si eres fanático de las armonías vocales, esta tiene unas de otro mundo.

Otro tema es Sloop John B., lanzado como sencillo y que es otro de los temas conocidos de la banda, si no lo recuerdan formó parte del OST de Forrest Gump, usada durante el primer encuentro de Gump, Bubba y el Teniente Dan.

God Only Knows creo que fue el primer tema de los Beach Boys que me gustó de todo el disco aún no teniéndolo en mis manos. Una balada con un final que es un remolino de sonidos, me dije estos tipos están zafados de un tornillo. Tema usado en la película Boogie Nights en una de sus últimas secuencias.

Here Today es para mi la prima hermana de Wouldn’t It Be Nice, tiene la misma intención y la misma buena onda del tema abridor del disco.

I Just Wasn’t Made For These Times tiene algo de Don’t Talk y de God Only Knows, otro sorbo sicodélico del Pet Sounds.

Pet Sounds es un instrumental el cual Brian Wilson quería proponer como tema para una película de James Bond, el tema de trabajo era Run James Run, el tema quedó en la pura intención y encontró posteriormente lugar en el disco que llevaría su mismo nombre.

Uno de los temas que se quedó en el tintero y que se completó en estas sesiones fue Good Vibrations, fabuloso tema que hubiera inmortalizado aún más la leyenda del Pet Sounds, pero Wilson tenía otros planes para este sencillo.

La reacción hacia este nuevo trabajo de The Beach Boys no se hizo esperar. Paul McCartney hasta la fecha lo considera uno de sus albumes favoritos y el de mas influencia en su carrera. Y quién diría Pet Sounds, así como el Rubber Soul a Wilson, fue tomado como referencia por Paul para componer la obra magna de los Beatles, Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band.

New Musical Express declaró este disco como  #1 en su lista de 100 Mejores Discos de Todos Los Tiempos. La Rolling Stone, en cambió, la ubicó 2da detrás de precisamente el Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles.

Más allá de todo esto, dudo mucho que alguien que escuche este disco no se quede enganchado y enamorado de cada uno de los temas. Pet Sounds es para mi uno de los triunfos más importantes de la buena música y fácil esta entre mis 10 discos favoritos y lo dice alguien que no es un fan acérrimo de esta banda.

TYRANNOSAUR: REZANDO A UN DIOS QUE NO ESCUCHA.

Desde el año pasado he procurado ver este filme británico muy celebrado en Sundance, por los críticos y hasta incluso escuché buenas referencias por parte de Andy Serkis cuando fue cuestionado por la mejor película que vio en el año 2011.

Tyrannosaur es el recorrido tortuoso y desagradable en la vida de Joseph (Meter Mullan), un viudo que vive sumergido en el vicio del alcohol, problema que lo vive destruyendo de manera acelerada volviéndolo un ser humano problemático. Pese a ello cuenta con la amistad de su pequeño vecino Samuel y de Hannah, dueña de una tienda de ropa, muy religiosa y con un corazón noble.

Mientras transcurre el filme, el espectador va descubriendo de a poco los sorbos amargos de la vida de Joseph y a la vez de la gente que lo rodea, sobretodo con Hannah con la que mantiene una relación estrecha hasta cierto punto, y quien detrás de ese corazón bondadoso hay un pasado y un presente bastante tormentosos con los cuales tiene que lidiar.

El filme es un estudio de la violencia, de la forma como la fe de las personas flaquea en momentos de desesperación transformando todo ese sentimiento de impotencia en rabia. También pude percibir la teoría no tan poco cierta de que la gente de carácter agresivo siempre se encuentra con más violencia. Este trabajo es a mi juicio muy depresivo para ver, puede ser perturbador para algunos espectadores (sobretodo para los que aman y respetan la vida animal).

Tyrannosaur representa el debut en la silla de director de Paddy Considine, actor conocido por su trabajo en cintas como The Bourne Ultimátum y Cinderella Man y no lo hace mal, es un debut sorprendente, muy bien dirigido y muy ilustrativo, una historia que desafortunadamente sigue vigente en nuestros tiempos.

La peli es exactamente lo que esperé ver, no me decepcionó para nada, pero vaya que fue una experiencia dura de ver. Buen comienzo Sr. Considine

4/5

THE HUNGER GAMES: ENTRETENIDO PRIMER BLOCKBUSTER DEL AÑO

Bueno aquí vamos, acabo de regresar de ver The Hunger Games (en inglés bendito sea Dios) y me encuentro con una pieza bastante entretenida, ciertamente con algunos peros, pero que para la mayoría de fans de la saga estoy seguro disfrutarán.

The Hunger Games trata la historia de una civilización dividida en 12 distritos, cada distrito debe elegir anualmente a una mujer y a un hombre. En el Distrito 12, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se ofrece voluntariamente a participar de los juegos para evitar que su hermana menor, favorecida en el sorteo, concurse en representación de su distrito. En esta competencia todos deberán eliminarse y el que queda con vida es el ganador de “Los Juegos del Hambre”.

Con solo leer la sinópisis, uno se pregunta…¿Será la peli algo parecido a Battle Royale de Kinji Fukasaku? Está claro que la historia original escrita por Suzanne Collins no es del todo original, pero tranquilos, el target de la saga de The Hunger Games son los adolescentes y Gary Ross, director del filme, estaba consciente de aquello. No es cierto como leí en algunos reviews de que había sangre por montones, para nada esas escenas fueron tratadas con movimientos de cámara rápidos y con una edición ágil, no hay nada grotesco en las escenas de muertes, creo que en ese sentido Ross se evitó problemas con la censura y así pueda ser vista sin ningún tipo de restricción. Para mi la historia esta muy bien trabajada, la primera hora nos detalla perfectamente de qué va la competencia, la cuestión de los distritos, lo que deben hacer los competidores y demás reglas de dichos juegos.

The Hunger Games tiene todo para que sea un éxito para el público que sigue tanto a la saga como la carrera de Jennifer Lawrence que al menos yo la veo ganando un par de Oscar en el futuro. La cinta tiene drama, algo de humor en los diálogos, su dosis de acción y por supuesto romance. Lawrence, quien interpreta a Katniss Everdeen, está en muy buena forma como actriz, la historia gira en torno a su personaje y el interés no se pierde para nada. El resto del elenco está bastante parejito, los villanos no llegan a ser memorables, pero cumplen.

Por otro lado, la peli no me brindó las emociones que esperaba, aquí de pronto me van a querer matar los fans de la saga o los que lean esto, pero a momentos sentí de que estuvo ausente el factor sorpresa en The Hunger Games y bueno el director se olvidó de insertar algunos cañonazos en las escenas dentro de la competencia (los que ya vieron la cinta me entenderán). El desenlace del juego tiene su carga de angustia por el momentáneo “twist” inesperado que tiene The Hunger Games, la sala donde estaba se desinfló mucho fue muy efectiva esa secuencia.

Si bien hay una segunda entrega (Catching Fire), no hay algo en esta primera parte que dé pie para que la gente, que no haya leído el libro o que no sospeche que haya una segunda parte, siquiera se lo imagine. La respuesta fue aceptable por lo que pude ver en mi sala, que estaba casi casi llena, la gente se fue satisfecha, aunque yo como que esperaba un poquito más de la cinta, debo leer los libros para tener una idea mucho más clara y así comparar libro vs película y de pronto despejar algunas incógnitas sobre todo la del guión.

Vuelvo y repito, The Hunger Games no le viene a quitar ningún trono a Harry Potter o a Twilight, las tres películas tratan de cosas totalmente distintas, lo único que tienen en común es que comparten estante en la sección “Literatural Juvenil” en las librerías. Estoy seguro que a los muchachos les gustará esta historia, no me llenó completamente, pero vale la pena echarle una mirada.

“May the odds be ever in your favor” 4/5

PYSCHO Y PEEPING TOM: EL TERROR SESENTERO ERA COSA SERIA.

A estas alturas del partido, las películas de terror deben tener un ingrediente infaltable: El Gore. Película que más gore (sangre) tenga más “exitosa” y/o más morbo produce, no importa si se lleva por delante el guión, lastimosamente por estos años la mayoría de flicks de terror carecen de una historia interesante, simplemente te arrancan un par de gritos y te mantienen en vilo con la banda sonora.

Hablaré de dos cintas (una clásica y una de culto) que tienen en su membrete ser películas de terror, cintas que influenciaron a muchos directores y que en su momento impactaron tanto a la audiencia como a la crítica: Pyscho (Psicosis) de Alfred Hitchcock y Peeping Tom (El Fotógrafo del Pánico) de Michael Powell.

Pyscho: 

Luego del éxito obtenido con películas como Rear Window, North By Northwest y Vertigo. Hitchcock preparaba otra de sus piezas de “suspense”  en 1960 y que a la postre se convertiría en otro clásico instantáneo dentro de su catálogo y también en la primera película de “horror” del cineasta inglés. Pyscho, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh, se estrenó con enormes espectativas y aunque el público en su mayoría recibió críticas favorables, los especialistas tenían entre ellos puntos de vista encontrados y obviamente los detractores del último trabajo de Hitch que le vieron todo mal, desde la escena de la ducha hasta el “gore” del filme. Hitchcock estaba segurísimo de que habrían quejas, golpes de pecho y censura por ese detalle, así que “suavizo” el ambiente filmando la película en blanco y negro en sus totalidad, aún así la controversia se mantuvo e incluso países como Singapur cortaron ciertas “escenas fuertes” del film. Psycho es considerado aún en estos años por algunas revistas y criticos especializados como la mejor película de terror de todos los tiempos.

Peeping Tom:

Otro director británico, en este caso Michael Powell, lanzó en el mismo año 1960 un trabajo que causaría enorme controversia en su país natal y que hasta la fecha sigue siendo considerada “un film de terror”. Peeping Tom, la historia de un camarógrafo obsesionado con capturar en película el terror y la angustia de sus víctimas siendo asesinadas en ese instante. La crítica y la audiencia, perturbados por las escenas proyectadas en Peeping Tom hicieron que a pocos días luego su estreno sea retirada de cartelera, posteriormente la ola de críticas negativas hacia Peeping Tom, llevaron a Michael Powell a ser considerado una especie de “persona non-grata” para los amantes del séptimo arte en Inglaterra. Sin embargo años después, Peeping Tom adquiriría el rótulo de “película de culto” gracias a esta controversia y en la actualidad sigue teniendo presencia entre los filmes de terror más importantes de la historia.

Conclusión:

A que quiero llegar con todo esto, alguno de ustedes debe haber visto ambas o bien una de ellas y en retrospectiva esas “escenas controversiales” no perturban tanto al público de ahora, Tanto Psycho como Peeping Tom son un ejemplo de que verlas en esa época era mas o menos como ver la peli más gory en estos años. En esos tiempos el solo hecho de ver que sacan una navaja en primer plano ya era para que arrugues, te empieces a perturbar y querer dar la vuelta a la mirada para no ver lo que vendría después, por eso aquellos que vieron esas películas por primera vez siguen recordándolas como las experiencias más terroríficas dentro de una sala de cine. La diferencia es que las películas de terror ya no llevan ese título de películas polémicas, otra gran diferencia es que al menos estas dos cintas manejan un buen argumento y manejan muy bien el terror psicológico, las de ahora como lo dije líneas más arriba se conforman con mostrar escenas grotescas sin importar que la historia no tenga sentido o sea muy floja.

Michael Powell sufrió las consecuencias de realizar Peeping Tom, tal fue la campaña negativa hacia su persona que nunca más pudo realizar otra película porque su imagen quedó totalmente desprestigiada entre audiencia, críticos y realizadores, por otro lado a Hitch lo único que le pasó gracias a Psycho es que Walt Disney no lo deje filmar en Disneylandia por haber creado “ese horror llamado Psycho”. Los americanos fueron más condescendientes con Hitch pese a la controversia, los biritánicos no lo fueron y acabaron con la carrera de Powell, en Inglaterra la censura por esos años era estricta, sino pregúntenle a los músicos pop en los 60´s e incluso Stanley Kubrick sufrió la censura de A Clockwork Orange en dicho país y la censura y veto fueron levantados un año después de la muerte de Kubrick (2000)

Bien dijo Scorsese que la rigidez de la censura viene depende del país y/o la sociedad donde se vive.

MY WEEK WITH MARILYN

Sin temor a equivocarme esta fue la última cinta que logré ver de las que tenían nominaciones al Oscar. Personalmente no soy fan de Marilyn, pero encuentro muy interesante en estos últimos años el trabajo de Michelle Williams, sobre todo por su fantástico papel en Blue Valentine. Era oportuno darle una mirada por esa razón y por las buenas críticas que obtenía de parte de los críticos.

Mis espectativas las normales antes de comenzar: No esperaba la gran cosa, pero bastaron apenas cinco minutos para que la cinta se enganche conmigo, lo cual ya en ese punto de la historia ya me tenía sorprendido y me dije que si cinco minutos me lograron enganchar, pues espero que no me suelte hasta los 90 minutos que dura el metraje de My Week With Marilyn.

La historia va sobre las anécdotas de Colin Clark como tercer asistente de dirección de Lawrence Olivier, durante la accidentada y estresante filmación de The Prince and The Showgirl y sobre la cortísima relación sentimiental con la super estrella Marilyn Monroe, una mujer con una vida personal inestable, pese al éxito que la rodeaba.

El film proyecta todo aquello de manera dinámica, el guión muy bien hecho, la película no llega aburrir en ningún instante, tiene sus toques de humor, drama y romance, otra de las cosas destacable de esta película son las actuaciones del elenco, Michelle Williams que confirma su buen nivel y excelente momento, repito no soy tan fan de la Monroe ni siquiera he vivido su época, pero al menos yo me la creí, hace una excelente performance de Norma Jean; Kenneth Brannagh, en la piel de Sir Laurence Olivier simplemente espectacular y otra nominación al Oscar bastante justificada; Eddie Redmayne logra capturar de buena manera a ese muchacho tímido, pero a la vez decidido a hacerse un espacio en el mundo del séptimo arte como Colin Clark. Bueno ver también a Emma Watson con un papel corto, pero que aporta al igual que esta inmensa actriz Judi Dench como Dame Sybil Thorndike.

My Week With Marilyn logra a mi juicio su cometido de entretener y lo hace de manera sutil, ejecutada muy bien en la parte técnica y ni hablar del elenco que hizo en general un gran trabajo. Sorprendido gratamente por este recorrido inolvidable antes plasmado en libro ahora plasmado en el celuloide. 4/5

CHRONICLE (PODER SIN LÍMITES)

La verdad no estaba en mis planes gastar 4 dólares en ver una película como esta, lo que a última hora me movió a hacerlo fue el hecho de que es una cinta de bajo presupuesto y que tuvo buena recepción por parte de la mayoría de la prensa especializada, así que decidí echarle un ojito a ver si era tan maravillosa como parece su media de 7.7/10 en Imdb.

Tenemos un film grabado de forma casera (casi) sobre tres muchachos que encuentran una especie de piedra misteriosa debajo de la tierra y por tener contacto con dicho objeto misterioso, los tres adquieren poderes sobrenaturales. Josh Trank, director de Chronicle, propone una historia de cómo podría afectar un fenómeno como este a tres muchachos comunes y corrientes, con diferentes estilos de vida y pensamiento, que no son sacados de ningún cómic o algo por el estilo, jóvenes que al principio toman a la ligera sus nuevas habilidades y que poco a poco irán descubriendo la gran responsabilidad que conlleva tener dichos poderes y cada quien, en el transcurso de la película, decidirá como emplearlos.

La película resulta entretenida en su mayoría, con algunos baches al principio, debo destacar el buen esfuerzo del director por sacar adelante una peli con un presupuesto bajo, las actuaciones algunas sobresalientes como la de Dane DeHaan y otras regulares sin ser pésimas de parte del resto del elenco. Aunque el final resultó ser muy movido y con un gran trabajo de edición, la película no me mató del todo quizás sea porque el argumento nunca fue atractivo para mi en primera instancia, las últimas secuencias me recordaron mucho a Akira por alguna razón (guardando las distancias, soy fanático de Akira).

Debo destacar, punto aparte, que me sorprendió ver mucha gente viendo Chornicle, estaba casi llena la sala tomando en cuenta las otras opciones que habían en cartelera (The Artist, The Help, Hugo), la gente salió de la sala de manera normal, para mi es buena señal, ni buena ni mala. Lo mismo pienso yo.

 

3/5

 

 

TOMMY: LA PELÍCULA (ANTECEDENTES Y MI CRÍTICA)

 

Hace pocos días publique un vídeo de un fragmento de la película basada en la ópera pop de The Who escrita por Pete Townshend, no quedé del todo contento, pero hubo ciertas cosas interesantes, total es que sabía de la existencia de esta película, siendo yo seguidor de la música de The Who y por sobretodo fanático del genio y visionario que es Pete Townshend, creando una historia muy surrealista, pero que atañe temas como el maltrato psicológico, las drogas, el abuso a los menores, las discapacidades físicas y la excesiva idolatría.

El álbum sale a fines de los 60 y resulta todo un boom, el disco, las giras de apoyo, de la noche a la mañana esta banda y su creador se volvieron millonarios y estuvieron en la boca de todos. Tommy, ante las temidas predicciones de Townshend se convierte en un fenómeno que alcanza magnitudes que superan a las del grupo mismo. Se crea una versión teatral y ya su manager por aquel entonces pensó y de hecho creo un guión para presentarlo a Universal para que se haga una película sobre toda la ópera rock, pero no sería sino hasta el año 1975 cuando el público puede apreciar la magna obra de The Who en la pantalla grande.

Ken Russell se convertiría el director de la cinta y Robert Stigwood el productor ejecutivo. Como Tommy ya había adquirido para aquel entonces vida propia, según palabras de Townshend, Russell con la venia del creador realizo algunos cambios a la historia original.

Tommy (interpretado en la película por el vocalista de The Who, Roger Daltrey) es un niño ciego, sordo y mudo que percibe el mundo mediante vibraciones. Ken Russell respeta ese precepto, pero lo ingredientes que le añade hacen de esta película muy aventurada. Mi apreciación sobre el filme es la siguiente:

Es lo de menos que Russell cambie el escenario de fines de la primera guerra mundial al de la segunda, o que el Capitán Walker en vez de asesinar sea asesinado por el amante de su mujer. Lo que me causa problemas es la excesivo surrealismo de la película:

 

-Una de las escenas que mas me chocó al principio fue la del centro vacacional de Bernie (amante de la madre de Tommy, interpretado por Oliver Reed), todos moviendose de manera artificial y como muy fingida, algo que podría pasar si uno esta viendo caricaturas, pero en este caso son seres humanos.

-Musicalmente hablando, la versión de Eyesight to The Blind hecha por Eric Clapton (al parecer Stigwood siempre ha tenido una fijación con Clapton desde Cream, no me extrañaría ver en su casa una réplica del santo sudario con la imagen de Eric) es completamente distinta y aunque tengo que admitir que escénicamente la secuencia no es mala, Eric no me convence en el papel de cura, la canción fue rehecha para que pueda ser interpretada por él y aunque no es del todo mala, me quedó mil veces con la versión original, en la cual tenían que buscarse una voz con más potencia, cosa que Clapton no tiene, a pesar de ser un virtuoso con la guitarra.

-La escena del champagne es simplemente terrible, la mamá de Tommy (encarnada por Ann Margret) viendo la tele embriagada, forrada en plata y sin poder curar a su hijo. La mujer lanza la botella de champagne hacia la tele destruyendola y sale primero un mar de espuma, luego uno frejoles y otro de chocolate. Personalmente me chocó muchísimo la escena, por ahí escuché que era una forma de decir que la tele te inunda de muchas cosas banales, de publicidad y de excesos, en fin la analogía no me gustó para nada, precisamente por ese exceso de surrealismo.

-Lastimosamente en esta escena participa uno de mis actores favoritos: Jack Nicholson ( les juro que fue una sorpresa verlo aca), aparte de que Jack hace un esfuerzo para cantar uno de mis temas favoritos del álbum “Go to The Mirror”, ver a Tommy lleno de cables al puro estilo de Alex en pleno tratamiento de reformación en la película La Naranja Mecánica de Kubrick es la verdad risible; verlo a Alex era al menos macabro, aquí se proyecta al personaje de un modo tal que cae en el ridiculo.

-La madre de Tommy hace una danza super extraña en el tema Smash The Mirror, sería genial la secuencia de no mediar ese baile terrible.

-En el tema I’m free donde milagrosamente Tommy recobra todos sus sentidos hay una escena que se ve anticuada y recontra que amateur… Que hace Roger Daltrey encarnando su personaje corriendo sobre fondos cromados de un oceano y de un volcan en erupción al final de la canción??????????????? …… Se les acabó el presupuesto supongo porque Daltrey corrió en muchos escenarios y todos reales…. ????

-La escena mas naive, el salvador Tommy llegando en Alas delta durante una pelea de pandilleros y ya de solo verlo se ponen a bailar y como idiotas…. Creo que hay mejores formas de recrear una escena que pase de lo hostil a lo tranquilo, pero esta seguramente no debió ser la mejor opción.

-Sally Simpson es una de mis canciones favoritas de la ópera, pero Russell busca a una niña de 12 años o 14 para que personifique a Sally, cuando lo lógico era que ponga a una chica de 18 años, la chiquilla de la pelicula tiene cara de niña pequeña, total es que ella como dice la canción termina casándose con un músico de rock que conoció en California, se ve que sale ella ataviada de novia y su novio con una guitarra, lo curioso es que ambos se ven que son criaturas, pero bueno es parte de la estética de toda la película aunque no me termina de convencer esos detalle de esa secuencia en particular.

 

Así como hay momentos terribles, hay momentos buenos:

-La secuencia de la iglesia como anteriormente es muy rescatable y la coreografía también… Soberbio Arthur Brown, no puedo decir lo mismo de Eric Clapton.

-Tina Turner me dejó boquiabierto, muy buena representación como la Reina del Ácido, muy buena interpretación vocal y una actuación también buena pese a no ser actriz. Son siquiera unos 8 minutos y la verdad es muy bueno.

-Cousin Kevin (interpretado por Paul Nicholas) también es punto de destaque, aquí por ejemplo hay mucha figura surrealista y aunque lo maltratan a Tommy aprovechandose de su discapacidad, toda la secuencia es bien lograda.

-Keith Moon como Uncle Ernie….SIMPLEMENTE ESPECTACULAR….

-Elton John y la escena de la competencia de Pinball también es un clásico, muy bien hecha y aquí se justifica mucho las escenas un tanto absurdas, de todas las canciones reversionadas Pinball Wizard interpretada por Elton John es la mejor.

-La actucación de Ann Magret, Oliver Reed y hasta de Roger Daltrey, bastante buenas, me quedo con Ann Margret en todo caso, aunque haya bailado horrible en esa escena del espejo.

La opera en disco para mi es 10 sobre 10

 

La película cae en lo caricaturesco por su excesivo surrealismo, hay formas de manejar aquello, por ejemplo de la forma como manejo Alan Parker la película de Pink Floyd, The Wall. A Townshend le gustó mucho y bueno así como tuvo sus cosas recibió dos nominaciones al Oscar, por mi parte no sería una película que recomendaría vivamente, de hecho es difícil que la vuelva a ver. Gracias a Dios tengo mi copia original en CD de esta joya del pop rock contemporáneo….

 

 

2/5

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