ARCHIVOS DE UN SEDENTARIO PROFESIONAL

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THE HUNGER GAMES: ENTRETENIDO PRIMER BLOCKBUSTER DEL AÑO

Bueno aquí vamos, acabo de regresar de ver The Hunger Games (en inglés bendito sea Dios) y me encuentro con una pieza bastante entretenida, ciertamente con algunos peros, pero que para la mayoría de fans de la saga estoy seguro disfrutarán.

The Hunger Games trata la historia de una civilización dividida en 12 distritos, cada distrito debe elegir anualmente a una mujer y a un hombre. En el Distrito 12, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se ofrece voluntariamente a participar de los juegos para evitar que su hermana menor, favorecida en el sorteo, concurse en representación de su distrito. En esta competencia todos deberán eliminarse y el que queda con vida es el ganador de “Los Juegos del Hambre”.

Con solo leer la sinópisis, uno se pregunta…¿Será la peli algo parecido a Battle Royale de Kinji Fukasaku? Está claro que la historia original escrita por Suzanne Collins no es del todo original, pero tranquilos, el target de la saga de The Hunger Games son los adolescentes y Gary Ross, director del filme, estaba consciente de aquello. No es cierto como leí en algunos reviews de que había sangre por montones, para nada esas escenas fueron tratadas con movimientos de cámara rápidos y con una edición ágil, no hay nada grotesco en las escenas de muertes, creo que en ese sentido Ross se evitó problemas con la censura y así pueda ser vista sin ningún tipo de restricción. Para mi la historia esta muy bien trabajada, la primera hora nos detalla perfectamente de qué va la competencia, la cuestión de los distritos, lo que deben hacer los competidores y demás reglas de dichos juegos.

The Hunger Games tiene todo para que sea un éxito para el público que sigue tanto a la saga como la carrera de Jennifer Lawrence que al menos yo la veo ganando un par de Oscar en el futuro. La cinta tiene drama, algo de humor en los diálogos, su dosis de acción y por supuesto romance. Lawrence, quien interpreta a Katniss Everdeen, está en muy buena forma como actriz, la historia gira en torno a su personaje y el interés no se pierde para nada. El resto del elenco está bastante parejito, los villanos no llegan a ser memorables, pero cumplen.

Por otro lado, la peli no me brindó las emociones que esperaba, aquí de pronto me van a querer matar los fans de la saga o los que lean esto, pero a momentos sentí de que estuvo ausente el factor sorpresa en The Hunger Games y bueno el director se olvidó de insertar algunos cañonazos en las escenas dentro de la competencia (los que ya vieron la cinta me entenderán). El desenlace del juego tiene su carga de angustia por el momentáneo “twist” inesperado que tiene The Hunger Games, la sala donde estaba se desinfló mucho fue muy efectiva esa secuencia.

Si bien hay una segunda entrega (Catching Fire), no hay algo en esta primera parte que dé pie para que la gente, que no haya leído el libro o que no sospeche que haya una segunda parte, siquiera se lo imagine. La respuesta fue aceptable por lo que pude ver en mi sala, que estaba casi casi llena, la gente se fue satisfecha, aunque yo como que esperaba un poquito más de la cinta, debo leer los libros para tener una idea mucho más clara y así comparar libro vs película y de pronto despejar algunas incógnitas sobre todo la del guión.

Vuelvo y repito, The Hunger Games no le viene a quitar ningún trono a Harry Potter o a Twilight, las tres películas tratan de cosas totalmente distintas, lo único que tienen en común es que comparten estante en la sección “Literatural Juvenil” en las librerías. Estoy seguro que a los muchachos les gustará esta historia, no me llenó completamente, pero vale la pena echarle una mirada.

“May the odds be ever in your favor” 4/5

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PYSCHO Y PEEPING TOM: EL TERROR SESENTERO ERA COSA SERIA.

A estas alturas del partido, las películas de terror deben tener un ingrediente infaltable: El Gore. Película que más gore (sangre) tenga más “exitosa” y/o más morbo produce, no importa si se lleva por delante el guión, lastimosamente por estos años la mayoría de flicks de terror carecen de una historia interesante, simplemente te arrancan un par de gritos y te mantienen en vilo con la banda sonora.

Hablaré de dos cintas (una clásica y una de culto) que tienen en su membrete ser películas de terror, cintas que influenciaron a muchos directores y que en su momento impactaron tanto a la audiencia como a la crítica: Pyscho (Psicosis) de Alfred Hitchcock y Peeping Tom (El Fotógrafo del Pánico) de Michael Powell.

Pyscho: 

Luego del éxito obtenido con películas como Rear Window, North By Northwest y Vertigo. Hitchcock preparaba otra de sus piezas de “suspense”  en 1960 y que a la postre se convertiría en otro clásico instantáneo dentro de su catálogo y también en la primera película de “horror” del cineasta inglés. Pyscho, protagonizada por Anthony Perkins y Janet Leigh, se estrenó con enormes espectativas y aunque el público en su mayoría recibió críticas favorables, los especialistas tenían entre ellos puntos de vista encontrados y obviamente los detractores del último trabajo de Hitch que le vieron todo mal, desde la escena de la ducha hasta el “gore” del filme. Hitchcock estaba segurísimo de que habrían quejas, golpes de pecho y censura por ese detalle, así que “suavizo” el ambiente filmando la película en blanco y negro en sus totalidad, aún así la controversia se mantuvo e incluso países como Singapur cortaron ciertas “escenas fuertes” del film. Psycho es considerado aún en estos años por algunas revistas y criticos especializados como la mejor película de terror de todos los tiempos.

Peeping Tom:

Otro director británico, en este caso Michael Powell, lanzó en el mismo año 1960 un trabajo que causaría enorme controversia en su país natal y que hasta la fecha sigue siendo considerada “un film de terror”. Peeping Tom, la historia de un camarógrafo obsesionado con capturar en película el terror y la angustia de sus víctimas siendo asesinadas en ese instante. La crítica y la audiencia, perturbados por las escenas proyectadas en Peeping Tom hicieron que a pocos días luego su estreno sea retirada de cartelera, posteriormente la ola de críticas negativas hacia Peeping Tom, llevaron a Michael Powell a ser considerado una especie de “persona non-grata” para los amantes del séptimo arte en Inglaterra. Sin embargo años después, Peeping Tom adquiriría el rótulo de “película de culto” gracias a esta controversia y en la actualidad sigue teniendo presencia entre los filmes de terror más importantes de la historia.

Conclusión:

A que quiero llegar con todo esto, alguno de ustedes debe haber visto ambas o bien una de ellas y en retrospectiva esas “escenas controversiales” no perturban tanto al público de ahora, Tanto Psycho como Peeping Tom son un ejemplo de que verlas en esa época era mas o menos como ver la peli más gory en estos años. En esos tiempos el solo hecho de ver que sacan una navaja en primer plano ya era para que arrugues, te empieces a perturbar y querer dar la vuelta a la mirada para no ver lo que vendría después, por eso aquellos que vieron esas películas por primera vez siguen recordándolas como las experiencias más terroríficas dentro de una sala de cine. La diferencia es que las películas de terror ya no llevan ese título de películas polémicas, otra gran diferencia es que al menos estas dos cintas manejan un buen argumento y manejan muy bien el terror psicológico, las de ahora como lo dije líneas más arriba se conforman con mostrar escenas grotescas sin importar que la historia no tenga sentido o sea muy floja.

Michael Powell sufrió las consecuencias de realizar Peeping Tom, tal fue la campaña negativa hacia su persona que nunca más pudo realizar otra película porque su imagen quedó totalmente desprestigiada entre audiencia, críticos y realizadores, por otro lado a Hitch lo único que le pasó gracias a Psycho es que Walt Disney no lo deje filmar en Disneylandia por haber creado “ese horror llamado Psycho”. Los americanos fueron más condescendientes con Hitch pese a la controversia, los biritánicos no lo fueron y acabaron con la carrera de Powell, en Inglaterra la censura por esos años era estricta, sino pregúntenle a los músicos pop en los 60´s e incluso Stanley Kubrick sufrió la censura de A Clockwork Orange en dicho país y la censura y veto fueron levantados un año después de la muerte de Kubrick (2000)

Bien dijo Scorsese que la rigidez de la censura viene depende del país y/o la sociedad donde se vive.

MY WEEK WITH MARILYN

Sin temor a equivocarme esta fue la última cinta que logré ver de las que tenían nominaciones al Oscar. Personalmente no soy fan de Marilyn, pero encuentro muy interesante en estos últimos años el trabajo de Michelle Williams, sobre todo por su fantástico papel en Blue Valentine. Era oportuno darle una mirada por esa razón y por las buenas críticas que obtenía de parte de los críticos.

Mis espectativas las normales antes de comenzar: No esperaba la gran cosa, pero bastaron apenas cinco minutos para que la cinta se enganche conmigo, lo cual ya en ese punto de la historia ya me tenía sorprendido y me dije que si cinco minutos me lograron enganchar, pues espero que no me suelte hasta los 90 minutos que dura el metraje de My Week With Marilyn.

La historia va sobre las anécdotas de Colin Clark como tercer asistente de dirección de Lawrence Olivier, durante la accidentada y estresante filmación de The Prince and The Showgirl y sobre la cortísima relación sentimiental con la super estrella Marilyn Monroe, una mujer con una vida personal inestable, pese al éxito que la rodeaba.

El film proyecta todo aquello de manera dinámica, el guión muy bien hecho, la película no llega aburrir en ningún instante, tiene sus toques de humor, drama y romance, otra de las cosas destacable de esta película son las actuaciones del elenco, Michelle Williams que confirma su buen nivel y excelente momento, repito no soy tan fan de la Monroe ni siquiera he vivido su época, pero al menos yo me la creí, hace una excelente performance de Norma Jean; Kenneth Brannagh, en la piel de Sir Laurence Olivier simplemente espectacular y otra nominación al Oscar bastante justificada; Eddie Redmayne logra capturar de buena manera a ese muchacho tímido, pero a la vez decidido a hacerse un espacio en el mundo del séptimo arte como Colin Clark. Bueno ver también a Emma Watson con un papel corto, pero que aporta al igual que esta inmensa actriz Judi Dench como Dame Sybil Thorndike.

My Week With Marilyn logra a mi juicio su cometido de entretener y lo hace de manera sutil, ejecutada muy bien en la parte técnica y ni hablar del elenco que hizo en general un gran trabajo. Sorprendido gratamente por este recorrido inolvidable antes plasmado en libro ahora plasmado en el celuloide. 4/5

CHRONICLE (PODER SIN LÍMITES)

La verdad no estaba en mis planes gastar 4 dólares en ver una película como esta, lo que a última hora me movió a hacerlo fue el hecho de que es una cinta de bajo presupuesto y que tuvo buena recepción por parte de la mayoría de la prensa especializada, así que decidí echarle un ojito a ver si era tan maravillosa como parece su media de 7.7/10 en Imdb.

Tenemos un film grabado de forma casera (casi) sobre tres muchachos que encuentran una especie de piedra misteriosa debajo de la tierra y por tener contacto con dicho objeto misterioso, los tres adquieren poderes sobrenaturales. Josh Trank, director de Chronicle, propone una historia de cómo podría afectar un fenómeno como este a tres muchachos comunes y corrientes, con diferentes estilos de vida y pensamiento, que no son sacados de ningún cómic o algo por el estilo, jóvenes que al principio toman a la ligera sus nuevas habilidades y que poco a poco irán descubriendo la gran responsabilidad que conlleva tener dichos poderes y cada quien, en el transcurso de la película, decidirá como emplearlos.

La película resulta entretenida en su mayoría, con algunos baches al principio, debo destacar el buen esfuerzo del director por sacar adelante una peli con un presupuesto bajo, las actuaciones algunas sobresalientes como la de Dane DeHaan y otras regulares sin ser pésimas de parte del resto del elenco. Aunque el final resultó ser muy movido y con un gran trabajo de edición, la película no me mató del todo quizás sea porque el argumento nunca fue atractivo para mi en primera instancia, las últimas secuencias me recordaron mucho a Akira por alguna razón (guardando las distancias, soy fanático de Akira).

Debo destacar, punto aparte, que me sorprendió ver mucha gente viendo Chornicle, estaba casi llena la sala tomando en cuenta las otras opciones que habían en cartelera (The Artist, The Help, Hugo), la gente salió de la sala de manera normal, para mi es buena señal, ni buena ni mala. Lo mismo pienso yo.

 

3/5

 

 

TOMMY: LA PELÍCULA (ANTECEDENTES Y MI CRÍTICA)

 

Hace pocos días publique un vídeo de un fragmento de la película basada en la ópera pop de The Who escrita por Pete Townshend, no quedé del todo contento, pero hubo ciertas cosas interesantes, total es que sabía de la existencia de esta película, siendo yo seguidor de la música de The Who y por sobretodo fanático del genio y visionario que es Pete Townshend, creando una historia muy surrealista, pero que atañe temas como el maltrato psicológico, las drogas, el abuso a los menores, las discapacidades físicas y la excesiva idolatría.

El álbum sale a fines de los 60 y resulta todo un boom, el disco, las giras de apoyo, de la noche a la mañana esta banda y su creador se volvieron millonarios y estuvieron en la boca de todos. Tommy, ante las temidas predicciones de Townshend se convierte en un fenómeno que alcanza magnitudes que superan a las del grupo mismo. Se crea una versión teatral y ya su manager por aquel entonces pensó y de hecho creo un guión para presentarlo a Universal para que se haga una película sobre toda la ópera rock, pero no sería sino hasta el año 1975 cuando el público puede apreciar la magna obra de The Who en la pantalla grande.

Ken Russell se convertiría el director de la cinta y Robert Stigwood el productor ejecutivo. Como Tommy ya había adquirido para aquel entonces vida propia, según palabras de Townshend, Russell con la venia del creador realizo algunos cambios a la historia original.

Tommy (interpretado en la película por el vocalista de The Who, Roger Daltrey) es un niño ciego, sordo y mudo que percibe el mundo mediante vibraciones. Ken Russell respeta ese precepto, pero lo ingredientes que le añade hacen de esta película muy aventurada. Mi apreciación sobre el filme es la siguiente:

Es lo de menos que Russell cambie el escenario de fines de la primera guerra mundial al de la segunda, o que el Capitán Walker en vez de asesinar sea asesinado por el amante de su mujer. Lo que me causa problemas es la excesivo surrealismo de la película:

 

-Una de las escenas que mas me chocó al principio fue la del centro vacacional de Bernie (amante de la madre de Tommy, interpretado por Oliver Reed), todos moviendose de manera artificial y como muy fingida, algo que podría pasar si uno esta viendo caricaturas, pero en este caso son seres humanos.

-Musicalmente hablando, la versión de Eyesight to The Blind hecha por Eric Clapton (al parecer Stigwood siempre ha tenido una fijación con Clapton desde Cream, no me extrañaría ver en su casa una réplica del santo sudario con la imagen de Eric) es completamente distinta y aunque tengo que admitir que escénicamente la secuencia no es mala, Eric no me convence en el papel de cura, la canción fue rehecha para que pueda ser interpretada por él y aunque no es del todo mala, me quedó mil veces con la versión original, en la cual tenían que buscarse una voz con más potencia, cosa que Clapton no tiene, a pesar de ser un virtuoso con la guitarra.

-La escena del champagne es simplemente terrible, la mamá de Tommy (encarnada por Ann Margret) viendo la tele embriagada, forrada en plata y sin poder curar a su hijo. La mujer lanza la botella de champagne hacia la tele destruyendola y sale primero un mar de espuma, luego uno frejoles y otro de chocolate. Personalmente me chocó muchísimo la escena, por ahí escuché que era una forma de decir que la tele te inunda de muchas cosas banales, de publicidad y de excesos, en fin la analogía no me gustó para nada, precisamente por ese exceso de surrealismo.

-Lastimosamente en esta escena participa uno de mis actores favoritos: Jack Nicholson ( les juro que fue una sorpresa verlo aca), aparte de que Jack hace un esfuerzo para cantar uno de mis temas favoritos del álbum “Go to The Mirror”, ver a Tommy lleno de cables al puro estilo de Alex en pleno tratamiento de reformación en la película La Naranja Mecánica de Kubrick es la verdad risible; verlo a Alex era al menos macabro, aquí se proyecta al personaje de un modo tal que cae en el ridiculo.

-La madre de Tommy hace una danza super extraña en el tema Smash The Mirror, sería genial la secuencia de no mediar ese baile terrible.

-En el tema I’m free donde milagrosamente Tommy recobra todos sus sentidos hay una escena que se ve anticuada y recontra que amateur… Que hace Roger Daltrey encarnando su personaje corriendo sobre fondos cromados de un oceano y de un volcan en erupción al final de la canción??????????????? …… Se les acabó el presupuesto supongo porque Daltrey corrió en muchos escenarios y todos reales…. ????

-La escena mas naive, el salvador Tommy llegando en Alas delta durante una pelea de pandilleros y ya de solo verlo se ponen a bailar y como idiotas…. Creo que hay mejores formas de recrear una escena que pase de lo hostil a lo tranquilo, pero esta seguramente no debió ser la mejor opción.

-Sally Simpson es una de mis canciones favoritas de la ópera, pero Russell busca a una niña de 12 años o 14 para que personifique a Sally, cuando lo lógico era que ponga a una chica de 18 años, la chiquilla de la pelicula tiene cara de niña pequeña, total es que ella como dice la canción termina casándose con un músico de rock que conoció en California, se ve que sale ella ataviada de novia y su novio con una guitarra, lo curioso es que ambos se ven que son criaturas, pero bueno es parte de la estética de toda la película aunque no me termina de convencer esos detalle de esa secuencia en particular.

 

Así como hay momentos terribles, hay momentos buenos:

-La secuencia de la iglesia como anteriormente es muy rescatable y la coreografía también… Soberbio Arthur Brown, no puedo decir lo mismo de Eric Clapton.

-Tina Turner me dejó boquiabierto, muy buena representación como la Reina del Ácido, muy buena interpretación vocal y una actuación también buena pese a no ser actriz. Son siquiera unos 8 minutos y la verdad es muy bueno.

-Cousin Kevin (interpretado por Paul Nicholas) también es punto de destaque, aquí por ejemplo hay mucha figura surrealista y aunque lo maltratan a Tommy aprovechandose de su discapacidad, toda la secuencia es bien lograda.

-Keith Moon como Uncle Ernie….SIMPLEMENTE ESPECTACULAR….

-Elton John y la escena de la competencia de Pinball también es un clásico, muy bien hecha y aquí se justifica mucho las escenas un tanto absurdas, de todas las canciones reversionadas Pinball Wizard interpretada por Elton John es la mejor.

-La actucación de Ann Magret, Oliver Reed y hasta de Roger Daltrey, bastante buenas, me quedo con Ann Margret en todo caso, aunque haya bailado horrible en esa escena del espejo.

La opera en disco para mi es 10 sobre 10

 

La película cae en lo caricaturesco por su excesivo surrealismo, hay formas de manejar aquello, por ejemplo de la forma como manejo Alan Parker la película de Pink Floyd, The Wall. A Townshend le gustó mucho y bueno así como tuvo sus cosas recibió dos nominaciones al Oscar, por mi parte no sería una película que recomendaría vivamente, de hecho es difícil que la vuelva a ver. Gracias a Dios tengo mi copia original en CD de esta joya del pop rock contemporáneo….

 

 

2/5

MIS PREDICCIONES PARA LOS OSCAR 2012

 

Bueno he aquí mis predicciones para la velada del 26 de febrero en lo que será la 84ta entrega de los premios Óscar, no soy un experto en cine, pero estos son a mi juicio los que merecen ganar la estatuilla, no espero acertar en todas, solo para dar mi honesta opinión de lo que más me gustó de este grupo de nominados. No voté en los rubros de cortos, ni documentales y mucho menos película extranjera ya que no he tenido la oportunidad de ver a todas las nominadas.

Mejor Película:

The Artist

Runner Up: Hugo

Mejor Actor:

Jean Dujardin (The Artist)

Runner Up: Gary Oldman (Tinker, Tailor, Soldier, Spy)

Mejor Actriz:

Viola Davis (The Help)

Runner Up: Meryl Streep (The Iron Lady)

Mejor Actor de Reparto:

Christopher Plummer (Beginners)

Runner Up: Nick Nolte (Warrior)

Mejor Actriz de Reparto:

Octavia Spencer (The Help)

Runner Up: Janet McTeer (Albert Nobbs)

Mejor Director:

Martin Scorsese (Hugo)

Runner Up: Michel Hazanavicius (The Artist)

Mejor Guión Original:

Midnight In Paris

Runner Up: The Artist

Mejor Guión Adaptado:

Moneyball

Runner Up: Hugo

Mejor Banda Sonora:

The Artist

Runner Up: War Horse

Mejor Canción:

No hace falta mencionar quien se llevará el premio. Nunca una categoría estuvo más sesgada que esta. Muppets en la ceremonia, en la alfombra roja… ¿Quién ganará mejor canción?

Mejor Edición:

The Girl With The Dragon Tattoo

Runner Up: Hugo

Mejor Cinematografía:

The Tree Of Life

Runner Up: War Horse

Mejor Película Animada:

Rango

Runner Up: Puss In Boots

Mejor Dirección de Arte:

Hugo

Runner Up: The Artist

Mejor Vestuario:

Anonymous

Runner Up: Hugo.

Mejor Maquillaje:

Albert Nobbs

Runner Up: Harry Potter and The Deathly Hallows 2

Mejores Efectos Visuales:

Transformers 3

Runner Up: Rise Of The Planet Of The Apes.

Mejor Edición de Sonido:

Transformers 3

Runner Up: The Girl With The Dragon Tattoo.

Mejor Mezcla de Sonido:

Transformers 3

Runner Up: The Girl With The Dragon Tattoo.

NETWORK: EL INFIERNO Y LA TELEVISIÓN ESTÁN LLENOS DE BUENAS INTENCIONES.

La televisión, hablando a título personal, me parece un mundo apasionante e interesante. En lo que corresponde a mi área me encanta crear por medio de imágenes y bueno los que son periodistas pues disfrutan de su profesión sirviendo a la comunidad. Trabajar en lo que te gusta no tiene precio, lo que tiene precio es lo que haces o dejas de hacer dentro de este medio.

Network (El Precio del Poder), película nominada a cinco oscares de la academia en el año 1977, incluída mejor película (derrotada por Rocky) refleja las verdades que la gente de pronto sospecha o a veces no imagina que pasan dentro de una estación televisiva. Ya hace mas de 30 años me espanta que la televisión ya por esa época no haya sido tan ingenua como me imaginaba. En nuestro país estaba en pañales y las mañas se aprendieron con el tiempo. Cuando se entendieron las “reglas tácitas” de “hacer televisión” y de cómo funcionaba el “negocio”.

La historia gira alrededor de dos personajes: El presentador de noticias Howard Beale (Peter Finch) que vive sus últimos años en la televisión debido a la poca sintonía de su espacio aparte agobiado por su vida personal ya que su esposa lo abandonó; y Diana Christensen (Faye Dunaway), una visionaria, ambiciosa y obsesionada productora de televisión que hará todo lo posible para que la cadena televisiva levante su audiencia, sea como sea.

Howard Beale un buen día decide despedirse de su audiencia anunciando un suicidio frente a cámaras, pues “la televisión era lo único que le quedaba”. Aquello causa revuelo dentro de la estación y fuera de ella. Beale se convierte en un fenómeno mediático y aunque el canal decidió su suerte despidiéndolo, encuentra como su “salvavidas” su extrema sinceridad y vehemencia en decir las cosas los últimos días que le quedan de trabajo, lo cual es visto por Christiansen y lo contempla como una fórmula para subir los ratings de un programa que ella tiene planificado lanzar junto con otro proyecto mucho más abesado con terroristas. Christensen logra que Beale se quedé en la televisora y a partir de ahí comienzan a surgir una serie de eventos que llevarán a la cinta a un final que para mi es muy metafórico y muy real hasta nuestros días.

Destacable en este film es su guión, demasiado inteligente y bastante apegado a lo que se habla dentro de una canal de televisión. El casting excelente, todas las actuaciones merecen ser destacadas. La película ganó cuatro oscares (mejor actor, mejor actriz, mejor actriz de reparto y mejor guión original). Aparte el detalle de que no tiene banda sonora, las únicas partes musicales son las de los cortes comerciales y las cortinillas.

No sé si la academia no sospechaba por aquel entonces que repercusiones podría tener un filme como este en el futuro, creánme que si la televisión no fue así por esa época, debería entonces decir que Network es una especie de bola de cristal y no ha perdido vigencia: las injusticias, los repartos, los amarres, como se decide la suerte de alguien en pantalla, tantas cosas que hasta la fecha se siguen, lamentablemente, llevando a la práctica.

Network quizás mereció mejor suerte en el rubro en Mejor Película, el impacto de esta película es fuerte y te hace reflexionar, recomiendo como el que más ver esta película y dígamne colegas si estoy en lo cierto o no.

La tele es un hermoso mundo, donde te tienes que manejar de acuerdo a tus convicciones y teniendo en cuenta para qué fue creada la televisión: educar, entretener e informar. Pero no hay que creer en todo lo que se te dice extralaboralmente, cumple solo con tu trabajo y disfrútalo. Además recuerda que “la televisión y el infierno están llenos de buenas intenciones”.  5/5

J.EDGAR: LA VIDA PRIVADA DEL HOMBRE MÁS FUERTE DE ESTADOS UNIDOS.

Las ansias que pueda tener un espectador para ver una película se basa en factores tales como los actores que participan, el director y la historia que se proyectará. En el caso de J. Edgar se cumplen los tres ingredientes antes mencionados: Un elenco de primer nivel encabezado por Leonardo Di Caprio y Naomi Watts; un hombre que a mi juicio se ha destacado más como director que como actor tal es el caso de Clint Eastwood; y pues la historia no puede ser más atractiva y aventurada como hacer una bio-pic del fundador y director vitalicio del FBI y una de las personas más influyentes de los Estados Unidos entre los años 20 y 70 del siglo pasado, John Edgar Hoover.

Lo que uno espera ver es, si uno busca en Wikipedia e investiga un poco, principalmente la vida y más que todo la obra de J. Edgar Hoover (Leonardo Di Caprio) a la cabeza del FBI, pero apenas transcurren los minutos (y pese a que las reseñas y sinópsis nos los advirtieron) uno no se encuentra tanto con aquello. La propuesta de Eastwood es enfatizar su vida privada, carácter y comportamiento. La cinta refleja a un viejo John Edgar Hoover redactando su verdad y sus memorias, de la forma como combatió a los blocheviques para que la semilla subersiva del socialismo no contamine a la sociedad americana, sobre como él propuso la recolección de huellas digitales y la creación de un laboratorio para analizar evidencias y así para dar con los culpables, todo eso se refleja en la película, pero lo que genera máxima atención es la relación muy cercana entre Hoover y su mano derecha Clyde Tolson (Armie Hammer).

Mucho se ha escrito sobre la supuesta homosexualidad de John Edgar Hoover, algunas fuentes lo niegan y otras la afirman. Eastwood, asumo, creé que es cierta, así que la película destapa la supuesta verdad sobre esta faceta oculta del hombre más fuerte de Estados Unidos, es más Oliver Stone también sugirió dicha homosexualidad de Hoover en su también controversial película JFK.

De entre todos los casos que Hoover tuvo a cargo, Eastwood escoge el de la desaparición del hijo de Charles Lindbergh, durante esa investigación se desarrolla la historia de J. Edgar Hoover con su camarada y compañero sentimental. Hoover siempre se mostró como una persona celosa, muy metódica y con mucho ingenio en su vida profesional, pero lo que siempre quiso en su vida es que, luego de todos los buenos resultados que obtuvo el FBI y su gestión, se le reconozca de manera pública sus méritos.

Leonardo Di Caprio a mi juicio estuvo bastante correcto, viéndolo uno entiende que está pasando por un gran momento en su carrera profesional, me gustaron mucho algunas escenas en las cuales se nota el nivel de Di Caprio. Otra gran performance es la de Armie Hammer como Clyde Tolson, definitivamente una de las sorpresas agradables de la película, superando ampliamente lo que hizo en The Social Network a Hammer no le quedó grande el papel, bastante sobria su participación. Naomi Watts hace lo justo con su personaje de Helen Gandy, quizás no sea su trabajo más memorable, pero su participación es notable. Punto aparte la caracterización de Anne Marie Hoover por parte de Judi Dench, toda una señora de la actuación, en otras palabras, el elenco estuvo fabuloso.

La dirección estuvo fenómenal, al igual que la fotografía y la ambientación, pero soy muy franco, no sé mucho de cuestiones de maquillaje, pero tuve muchos problemas con viendo a Di Caprio y a Hammer con sus respectivas “máscaras”, la de Di Caprio me pareció casi perfecta, pero la de Hammer me daba un poco la impresión de que le molestaba millón y la noté super artificial, el maquillaje de Watts creo que fue el único que me pareció perfecto.

Aunque sabía de lo que iba la película, en lo personal esperaba ver un poco más de la historia de Hoover como profesional, al final me quedó una sensación de haber visto una historia de amor con un final que me recordó a Brokeback Mountain (con la cual no tengo nada en contra, me parece una gran película).

A J. Edgar le reconozco los méritos antes mencionados, pero no me terminó de cautivar la historia, tiene sus momentos y secuencias muy poderosas, mas no me llenó totalmente. Eso sí, este trabajo me parece mucho mejor en relación a la anterior entrega de Clint Eastwood, Hereafter que me pareció decepcionante.

3.5/5

 

THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO: INMORTALIZANDO AÚN MÁS UN CLÁSICO MODERNO.

Luego del éxito literario de la trilogía Millennium de Stieg Larsson, estaba más que asegurada su llevada al séptimo arte de esta serie. Los primeros en contemplar y realizar este proyecto fueron los mismos suecos con Niels Arden Oplev dirigiendo la trilogía completa. Para la mayoría que pudimos ver los tres filmes coincidimos que, aparte de considerarla desde ya una película de culto, es una producción muy buena, con buenas actuaciones y que, tecnicamente hablando, ha sido bien llevada. Como es normal por este lado del continente en lo que respecta a remakes y versiones nuevas de varias cintas clásicas o de películas que han sido “big hits” en otros países, Hollywood vio necesario hacer su propia versión del primer libro de esta trilogía: The Girl With The Dragon Tattoo.

Mikel Blomqvist, periodista de la influyente revista Millennium, es sentenciado por calumniar a un empresario sueco llamado Hans-Erik Wennerström, Mikel se ve obligado a abandonar la revista, pero al mismo tiempo recibe la llamada de Herik Venger, ex-director de una importante empresa en ese país que lleva su apellido, para proponerle que escriba sus memorias y a la vez investigue a fondo sobre la desaparición de su sobrina Harriet a cambio de valiosa información que podría servirle descargo en contra de Wennerström. Venger contacta a Blonqvist gracias a Lisbeth Salander, una antisocial, pero inteligente hacker, quien recopiló información sobre todos los aspectos de su vida, llegando a la conclusión de que es una persona honesta. Luego de una serie de eventos tanto Mikel como Lisbeth se ven juntos tratando de resolver el misterio que hay detrás de la familia Venger, si fue o no asesinada Harriet y quién fue el causante de aquello.

Desde antes de que comience la producción, haber elegido al talentoso David Fincher (Fight Club, Seven) para dirigir este proyecto ya era garantía de que el proyecto esté en buenas manos y a juzgar por el resultado final pues ha resultado una película sobresaliente en todos los aspectos, empezando por la secuencia de créditos iniciales que nos recuerda lo tan de lujo que son los openings de las películas de David Fincher, pasando por Seven y Fight Club. Este excelente trabajo hecho para los créditos iniciales me recuerda a momentos a las intros de las películas del Agente 007 (que coincide con la participación de Daniel Craig), pero que es muy impactante.

Las performances de sus actores, empezando por Daniel Craig, que interpreta a Mikel Blomqvist un periodista sentenciado por calumniar a un poderoso magnate sueco, que para mi gusto está muy cerca en lo físico a lo que ya había visto en la versión escandinava, aparte Daniel Craig ya está muy acostumbrado a este tipo de personajes que siempre están en la búsquedas de respuestas aún arriesgando su propia vida. Rooney Mara (Nightmare On Elm Street, The Social Network) encarna a la antisocial, pero inteligente y sagaz hacker de Lisbeth Salander. Mara se consolida entre las grandes estrellas de Hollywood, su interpretación es perfecta, sobre todo en las escenas fuertes, su nominación al Oscar definitivamente merecida. Aparte de la participación de ambos el elenco que los secunda es de lujo: Christopher Plummer (The Sound Of Music, A Beautiful Mind), Robin Wright (Forrest Gump, Unbreakable) y Stellan Skarsgard (Good Will Hunting, Thor).

Otra vez el tándem creativo Reznor-Ross colabora con Fincher para la realización de la banda sonora de The Girl With The Dragon Tattoo, otro gran trabajo que envuelve a uno de los músicos y compositores más talentosos de nuestra era (Trent Reznor), si esperan algo parecido al OST de The Social Network, pues nada de eso, la banda sonora que consta de 38 temas es mucho más atmosférico que su trabajo anterior.

Siempre habrán comparaciones entre una y otra versión, basicamente la principal de todas es el PRESUPUESTO. La película sueca tiene todos los elementos para enganchar al espectador, para mi concepto no aburre y el giro inesperado es manejado de gran manera por Niels Arden Oplev; por otro lado la película de Fincher es mucho más cinematográfica que la de Oplev, el tratamiento de imagen es espectacular (otra de las marcas registradas Fincher, dirección de arte y la edición otro punto de gran destaque. Yo diría a fuerza de ser justos que la versión sueca, hasta donde le dio la sábana, cumplió y sobrepasó las expectativas de la gran mayoría de críticos y espectadores que la apreciaron, es por eso que no puedo estar de acuerdo que se la califique de pobre o mediocre luego de ver la película de Fincher. Los que han leído el libro quizás tienen un poco más de fundamento para decidir cuál de las dos historias se aproximan a la del libro original. Por críticas que he leído y escuchado, la versión de Fincher es la que más se aproxima. Sin leer los libros considero que ambas cautivan al espectador de manera efectiva.

He escuchado muchas críticas favorables por The Girl With The Dragon Tattoo, sin embargo a algunos no les gustó mucho el final. Aunque sé que esta serie aún continúa, me da la sensación de que David Fincher cerró la película de tal forma que si no hay secuelas el final no deja entrever que hay una segunda parte. En lo personal este cambio del final es quizás para mi forma de ver el único punto flojo de la cinta (Aunque no me molesta a mi a otros les disgusta la publicidad descarada que les hace a ciertas marcas como Apple, Coca-Cola, Nokia y McDonalds). Lisbeth al final le revela un poco sobre su pasado a Mikel, algo que en el caso de la trilogía original no se descubría sino hasta la segunda entrega. David Fincher por su parte expresó su deseo de continuar en caso de que se continúe con la saga, pero él propondría unir las dos partes restantes (idea que en lo personal comparto) ya que ambas son una misma historia y aparte para evitar hacer constantes viajes a Suecia y por consiguiente comprometer al elenco para los próximos 5 años.

Solo como dato adicional, Stieg Larsson planeaba hacer una verdadera serie con Millenium, desafortunadamente no pudo empezar lo que hubiese sido el cuarto libro ya que murió de un ataque cardíaco justo luego de entregar el manuscrito de The Girl Who Kicked The Hornet’s Nest, es por eso el final tan simple al ver la tercera parte de la película.

The Girl With The Dragon Tattoo es otro acierto de David Fincher, quizás no sea de sus mejores, pero un notable esfuerzo que está en boca de todos y digna de un best-seller. 5/5

 

ZONA SPOILER: DIFERENCIAS ENTRE LA VERSIÓN AMERICANA CON LA SUECA:

The Girl With The Dragon Tattoo (USA)

HOLLYWOOD:

 -Aparecen dos tutores de Lisbeth Salander: El que originalmente custodiaba a Lisbeth y que luego de diera un derrame; y el segundo el encargado que sería el que abuse de ella a cambio de dinero extra que necesitase Lisbeth.

-El peinado de Lisbeth varía innumerables veces en el transcurso de la película. Hay una escena de Lisbeth en una discoteca donde encuentra a una chica a la cual conoce y con la que tiene relaciones y consecuentemente la lleva a su habitación.

-Mikel Blomqvist da con Lisbeth gracias a Dirch Frode quién la recomienda por sus habilidades como hacker e investigadora y luego de que da con Salander le pide ayuda explicándole hasta donde tiene resuelto el misterio, INCLUÍDAS las citas bíblicas que fueron sugeridas sin querer por la hija de Blomqvist.

-Cuando Martin Vanger se accidenta, Lisbeth baja de la moto para matarlo con un revólver, no termina de llegar al auto cuando este explota. Lisbeth consecuentemente le revela a Blomqvist sobre su pasado con su padre y el atentado que ella cometió cuando aún era niña.

-Blomqvist viaja a Londres para dar Anita Venger, tía de Harriet, pero esta le dice que Harriet no pasó de los 18 años. Luego ella se desvela como Harriet y le cuenta todo lo que pasó al periodista.

-Lisbeth le pide un préstamo a Mikel para hacer la operación Islas Caimán, esta operación se detalla en esta versión y al final Lisbeth enamorada de Mikel decide hacerle un regalo el cual termina desechando luego de ver a Mikel junto a Erika Berger, su mano derecha en la revista, de manera muy alegre y romántica.

 SUECA:

-Aparece únicamente el tutor que abusa de Lisbeth, no se conoce al verdadero tutor de Lisbeth sino hasta las otras entregas de la trilogía. Hay escenas con la mamá de Lisbeth que está internada en un hospital psiquiátrico.

-El peinado de Lisbeth no cambia y la escena de la discoteca es obviada completamente.

-Durante la investigación Lisbeth sigue espiando a Blomqvist y accidentalmente se topa con la evidencia sobre Harriet Vanger, entre ellas las citas bíblicas que aún son un misterio para Blomqvist. Lisbeth DESCÍFRA el misterio de las citas y le envía un correo anónimo a Blomqvist, este sorprendido por la exactitud de la investigación va hacia donde Forde para preguntarle si alguien más está investigando el caso y Frode no encuentra otra explicación sobre el mail anónimo que la intervención de Salander en el caso, Frode le dice cómo ubicarla y el resto como sigue.

-Martin Vanger se accidenta y Lisbeth logra llegar cerca de donde está él, luego aparece un flashback de Lisbeth de niña, tirándole gasolina a un hombre y tirándole una cerilla para que se incendie, acto seguido decide dejarlo ahí y el auto explota. Lisbeth no menciona absolutamente nada sobre su pasado

-Blomqvist nunca viaja a Londres, de hecho en la película se revela el misterio al final luego de la muerte de Martin Vanger. Se descubre que hay dos Anitas, una en Londres (fallecida) y otra en Australia, que es donde va Mikel y encuentra a Harriet, la lleva donde su tío y enfrente de él le cuenta todo lo que pasó.

-Lisbeth jamás hace el préstamo a Blomqvist, se resume mediante un anuncio de noticiero sobre el trágico final de Wennerström y la operación de Lisbeth en las Islas Caimán y termina la película. La escena de la compra de la chaqueta y la desilusión de Lisbeth no existe en esta versión.

 

The Girl With The Dragon Tattoo (Suecia)

 

 

WE BOUGHT A ZOO: UN LUGAR PARA SOÑAR

Estoy seguro que muchos de los que leen estas líneas aman y respetan la naturaleza, sobretodo a los animales. Hay algunos que adoptan un animalito en casa, otros simplemente los respetan y otros son activistas en pro del rescate animal y están comprometidos a dicha causa.

Pero ¿Hasta qué grado podría llegar ese “compromiso” hacia los animales? … Cameron Crowe, conocido por dirigir películas como Vanilla Sky, Almost Famous y Jerry Maguire, nos trae la historia de Benjamin Mee (Matt Damon) un padre de familia recientemente enviudado a cargo de dos hijos que aún sienten la resaca de la pérdida de su madre.

Benjamin para alejarse de los recuerdos que encierra su casa y aparte para poder lidiar con su hijo problema decide buscar otro domicilio, el cual a primera vista le agrada sobretodo por el hecho de estar apartado de la ciudad, pero luego descrubriendo su nuevo hogar se da cuenta que no el patio de su casa, no es un patio ordinario, aparte de ser enorme esta repleto de una inmensa diversidad de animales salvajes.

 Benjamin consciente de que no solo está comprando una casa, decide emprender el reto de adquirirla con el fin de brindarse y brindarles a sus hijos una experiencia única cuidando de estos animales.

Pero la tarea no es sencilla, pese a que dentro del zoológico hay un grupo reducido de personas que lo ayudarán, Benjamin se encontrará con cada situación que pondrá a prueba su entusiasmo, fuerza de voluntad y sus deseos de continuar con esta empresa.

We Bought A Zoo (Un Zoológico en Casa) es una película familiar muy agradable, con momentos refrescantes proporcionados por el sinnúmero de especies que habitan el zoológico y por la hijita menor de Benjamin, Rosie (Maggie Elizabeth Jones). Sin embargo, uno de los problemas de la peli es que es muy predecible en ciertas secuencias, mientras estaba en mi butaca noté a momentos que la gente se desengachaba de la cinta y se ponían hasta a conversar o hacer otra cosa, pero no era tanto el rollo porque apenas venía una secuencia interesante la gente sabía que no era difícil volver a agarrarle el hilo a la historia.

 El trabajo del elenco es aceptable en especial Scarlett Johansson, Colin Ford y Elle Fanning. No quisiera comparar los anteriores trabajos de Cameron Crowe, pero We Bought A Zoo carece un poco de emotividad con relación a cintas como Almost Famous o Jerry Maguire, eso me dejó un tanto decepcionado, pero de que si es una película para pasar en familia y disfrutarla, sí que lo es y con un mensaje muy bonito. 3/5

 

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